Queen II - Queen

Ficha técnica

• Lanzamiento: 08/03/1974 
• Duración: 40:42 min
• Productor/es: Roy Thomas Baker, Robin Geoffrey Cable, Queen

Personal

• Freddie Mercury: Voz, piano, clave
• Brian May: Guitarras, voz, campanas
• John Deacon: Bajo, guitarra acústica
• Roger Meddows Taylor: Batería, percusión, voz

En pocas palabras...

El segundo disco de Queen, una notable evolución con respecto a un debut contundente y ambicioso, pero la banda es dueña de una mayor madurez, la cual podemos apreciar en la mezcla mucho más profesional, la propuesta de un sonido más pulido, igual de ecléctico que siempre, con canciones cuyo formato responde a las necesidades tanto del cultor del rock progresivo como del heavy, la melodía pop y de algunos de los arreglos de guitarra y voces más exquisitos de su época (y de la actualidad ... y del futuro, sin dudas). Una muestra de lo que iba a venir luego pero con peso específico propio: cada nota, cada arreglo, cada estribillo, cada cambio en la dinámica y cada puente donde debe estar. Instrumentales, baladas suaves, riffs pesados y coros angelicales y reminiscencias del barroco, todo ordenado concienzudamente para el deleite de quien lo escucha.

Para escuchar ... 

... luego de "Queen I" y obligatoriamente antes de "A night at the Opera". Predispuesto a prestar atención a algunas de las mejores performances de cada uno de los integrantes de la banda, en pleno desarrollo de su época dorada. También es de escucha obligatoria para aquellos fans de la etapa posterior a "Bohemian Rhapsody".

Los 3 puntos más altos

Dentro de un disco que nunca se estanca es difícil optar solo por tres canciones, pero personalmente destaco las siguientes:

1. "Father to son": desde la letra nos transmite el mensaje cariñoso y eterno de un padre hacia su hijo. Desde la música presenta variaciones notables, entre secciones a medio tiempo donde destacan orquestaciones de guitarra, arreglos vocales ingeniosos y un órgano (inusual en el primer Queen) y otras de marcado sonido heavy, con poderosos riff de guitarra distorsionada. La voz de Mercury desarrolla un amplio rango que aplica ágilmente para dotar de dulzura o crudeza a la pieza, lográndolo con igual eficacia en ambos casos.
   
   
2. "The Fairy Feller's Master-Stroke": breve e intensa composición que nos describe una atmósfera pintoresca plagada de seres medievales y mitológicos. Alrededor de un clave incesante se teje un gran templo sonoro, que hace un magnífico uso de las bondandes del estéreo y los paneos. El trabajo de sobregrabación de voces y guitarras merece una mención aparte. Se encadena a continuación de la poderosa "Ogre Battle" y antecede a la melancólica balada de piano "Nevermore", con las cuales forma un conjunto que muestra la variedad de fuentes de las que por esos años ya abrevaba Queen.
   
   
3. "The March of the Black Queen": una vez más, una canción compleja, que recorre en algo más de 6 minutos y medio numerosas secciones, haciendo uso de la polirritmia. Una aventura musical que depara sorpresas a la vuelta de cada sección que termina y nos cuenta acerca de una poderosa e implacable reina negra. La marca registrada en el sonido Queen de los 70´s son los arreglos de voces, guitarras y piano ejecutados de manera virtuosa y las estructuras de sus piezas de varios movimientos: esta canción sirve de ejemplo y podría considerarse una hermana (ni mayor ni menor) de "Bohemian Rhapsody".

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Desatormentándonos - Pescado Rabioso

Ficha técnica

• Lanzamiento: 09/1972
• Duración: 41:19 min (incluyendo simples/bonus tracks de CD)
• Productor/es: Luis Alberto Spinetta

Personal

• Luis Alberto Spinetta - Guitarras, voces, dichos.
• Osvaldo "Bocón" Frascino - Bajo, voz y guitarra líder en Dulce 3 nocturno, guitarra base y solo en Me gusta ese tajo.
• Black Amaya - Baterías.
• Carlos Cutaia - Órgano en Serpiente (viaja por la sal), Me gusta ese tajo y Despiértate nena 
• David Lebón - Bajo en Despiértate nena y Post-crucifixión, voz en Despiértate nena.

En pocas palabras ... 
... un disco tan pesado como repleto de lirismo, rebosante de la bella poesía spinetteana y también de una carga eléctrica, directa, llana (zeppelinesca) que funciona como una patada certera que busca, como el título del disco lo propone, desatormentar a una sociedad oscurecida, adormecida y repleta de ira contenida por la represión durante años de dictadura. Un hito del rock latinoamericano, un sonido vigoroso, hard y progresivo, pionero por estas latitudes y que aún hoy representa una de las muchas cimas de creatividad y perfección musical logradas por Spinetta, tanto en su carrera al frente de varias bandas como en su desempeño solista.

Para escuchar ... 
... en tu cuarto, enchufado a unos buenos auriculares, solo o con buenos amigos, dispuesto a tener una experiencia sonora interesante que te llevará por caminos zigzagueantes entre amplios valles donde resuenan guitarras distorsionadas y un Hammond ejecutado con brillantez descomunal o te sumergirá en océanos habitados por armonías vocales y largas y disfrutables zapadas coloreadas con platillos tan precisos como preciosos.

Los 3 puntos más altos 
Encontrarlos es una tarea difícil, por la enorme calidad de todas las composiciones y por la carga de significado que tienen muchas de ellas, a tal punto de haberse convertido algunas en himnos ineludibles de la historia del rock argentino. Solo para cumplir con este ítem, cometeré el pecado rabioso de elegir 3 y solo 3:

1. "Post-crucifixión": un riff memorable que cabalga entre las teclas de Cutaia, la guitarra de Spinetta y el bajo de Lebón, sostenidas en la batería más descollante de la época. Una letra poderosa que clama un abrazo maternal ante la proximidad del fin. Pura energía desencadenada desde el principio y dosificada con maestría.
2. "El jardinero (temprano amaneció)": una composición que reúne el hard rock, la psicodelía y el surrealismo, aderezado con cómicas interjecciones y gritos de Luis. Un claro ejemplo de la destreza de Spinetta con su guitarra, que sabe hacer muchísimo con muy poco y que se atreve siempre a aventurarse por rincones que a veces parecerían estar destinados a los virtuosos.
3. "Serpiente (viaja por la sal)": otra vez el poder del Hammond y la guitarra se unen y potencian, esta vez en una pieza más cercana al blues. La letra propone imágenes ricas y existenciales y, promediando la canción, un pasaje instrumental con aires de magnificencia hace rebalsar nuestros oídos de mágia sonora.

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Lifeblood - Manic Street Preachers

Ficha técnica

• Lanzamiento: 01/11/2004
• Duración: 45:26 min
• Productor/es: Tony Visconti, Tom Elmhirst, Greg Haver

Personal

• James Dean Bradfield – voz, guitarra lider y rítmica
• Sean Moore – batería, baterías programadas
• Nicky Wire – bajo

• Nick Nasmyth – teclados
• Jeremy Shaw – teclados
• Greg Haver – percusión

En pocas palabras...
... es un disco muy de su época pero a la vez diferente dentro del catálogo de los Manics. Si bien continuan presentes las melodías que tienden a la perfección y las letras sofisticadas pero directas en canciones bien estructuradas y (por qué no) radiables, predominan la introspección y la melancolía por sobre las declaraciones politicas, un sonido poderoso adornado con capas de sintetizadores y teclados que funcionan como una suerte de ambiente omnipresente exquisitamente creado para dotar de mayor ímpetu y dramatismo a la voz y la guitarra de Bradfield, ya de por si dueñas de un buen gusto y una versatilidad probadas en discos anteriores (y posteriores).

Para escuchar ...
... en cualquier momento en que uno se encuentre reflexivo, melancólico o en busca de alguna clase de inspiración pero no quiera deprimirse sino renovar sus energías.

Los 3 puntos más altos
Si bien el disco es muy parejo y todas sus canciones, excelentemente producidas, invitan a una escucha atenta y a detenernos en sus letras y tararear sus estribillos, encuentro los 3 puntos más altos en:

1. "A song for a departure", una pieza pop un tanto oscura con una base contundente, acompañamiento de piano, guitarras filosas y una letra que alude al desamparo y al fin del engaño a uno mismo
2. "Glasnost", una canción en medio tiempo con un riff de guitarra con reminiscencias celtas sobrevolado por deliciosos teclados y una interpretación de Bradfield (esa voz) llena de sentimiento que habla del amor y de cómo se complican las cosas a medida que uno crece.
3. "Solitude Sometimes Is" y otra vez los arreglos exactos para engrandecer una canción que ya desde la belleza de la letra y la melodía cumplen en crear un sentido manifiesto sobre la naturaleza de la soledad. Un sintetizador simula a lo largo de sus poco más de tres minutos unas campanas que le imprimen ese aura navideña que dulcifica la tristeza que transmite.

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